Течения и стили авангарда

Авангардизм (от фр. Avantgarde – передовой отряд) – это совокупность течений в искусстве, который порывая с реалистическими традициями ищут новые способы построения художественной действительности. Авангард начал развиваться в 1910-1920-х гг. К русским авангардистам относятся М. Шагал, П. Н. Филонов, К. С. Малевич, Кандинский и другие.

Модернизм (от фр. Moderne – новейший, современный) – художественно-эстетическая система или совокупность течений искусства, сложившаяся в 1920-х гг., ищущая нетрадиционные способы художественного освоения действительности. Декаденство и авангардизм считаются его ранними стадиями.

Фовизм (от фр. Fauves – дикие) – название направления, которое было присвоено творческой группе молодых парижских художников А. Матиссу, А. Дерену, М. Вламинку, А. Марке, Р. Дюфи, К. ван Донгену, совместно участвующим в выставках 1905-1907 гг. Четкой программы у группы не было. Художников объединяло стремление к созданию образов с помощью яркого, открытого цвета. Природа – повод для создания экспрессивных композиций. Работы этих художников отличало отсутствие светотеневой моделировки, стремление к гармонизации цветовых пятен. У фовистов оставался один шаг до абстракционизма.

Анри Матисс (1869-1954), член парижской группы художников, называвшей себя «фовистами», отказался от модулирования цветов, чтобы снова создать впечатляющие, простые и ясные цветовые поверхности, расположенные в субъективно-прочувствованном равновесии по отношению одна к другой. Вместе с Браком, Дереном, Вламинком он принадлежал к парижской группе «Диких». В результате многолетней интенсивной работы, Матисс постепенно отходит от свето-теневой модуляции. Его девизом стало: «Чем боле плоско, тем художественнее». Он постепенно переходит к плоскостно-декоративной манере живописи, превращая картину в декоративный узор.

Матисс был сыном потомственных ремесленников. Его мать в свободное время расписывала тарелки. Анри Матисс получает юридическое образование и становится клерком. Во время болезни он читает руководство для начинающих в живописи. Отец отправляет его с рекомендательными письмами учиться в мастерскую художника Бугро (1891), но он ищет что-то иное. Матисс поступает в Школу изящных искусств в мастерскую Гюстава Моро. Моро уважает дарование другого. В его мастерской царит атмосфера творчества и эксперимента. Матисс обращается к опыту импрессионистов в 1897 г.(натюрморт «Голубой горшок и лимон»). Матисс расписывал километры лавровых листьев, был сторожем в театре. Он заплатил огромные деньги за «Купальщиц» Сезанна. Картина вдохновляла его на создание едевров. В 1905 г. Матисс отправляется на Средиземное море. Его «Вид Коллидра» – полет освобожденного человека. Плотина рухнула, и лавина самых ярких чистых красок обрушилась на мир. Немыслимые, сумасшедшие, запрещенные всеми художественными Академиями мира цвета нашли свое место на полотнах мастера. В 1905 г. состоялась выставка, в которой участвовали Матисс, Дерен, Вламинк, Руо и другие художники. Матисс показал на ней картину «Открытое окно». Критик Луи Воксель назвал живопись дикой, а их авторов дикими или фовистами. В Матиссе не было ничего эпотажного, что свойственно и русским авангардистам. Он с молодости любил элегантно одеваться, обожал стильные вещи. Он не ставил перед собой цель поразить и озадачить. Его находки и открытия – результат честного труда. С 1907 г. начинается сотрудничество Матисса с известным русским собирателем живописи Сергеем Ивановичем Щукиным., который обеспечил мастеру нормальную без срывов работу до 1912 г. Для стиля Матисса характерна предельная упрощенность формы, композиционная ясность и уравновешенность, отсутствие светотеневой моделировки, плоские пятна чистого цвета и мажорность («Танец», «Музыка», «Натюрморт с ковром», «Красная комната»).

Близок Матиссу Рауль Дюфи. Он писал сцены скачек, морских пейзажей, парусных регат («Лодки на Сене»). Анри Дерен через Сезанна пришел к кубизму («Субботний день»). У Амедео Модельяни нет матиссовского монументализма, образы более камерные, интимные.

Кубизм. Изобретателем кубизма считают Пикассо с его картиной «Авеньонские девушки» (1907), но это, скорее всего, выражение поиска многих художников. Теоретиками кубизма являются живописцы Ж. Метценже и А. Глез. Кубисты пробовали осознать внутреннее строение предметов, они пытались расширить пределы оптического видения. К трем измерениям пространства Возрождения кубисты добавили 4-е – время. В 1911 г. они выставили свои произведения в «Салоне отверженных». Кубисты – Пабло Пикоссо, Жорж Брак, Жуан Грис, М. Дюшан – использовали цвет для своих сочетаний света и тени. Они прежде всего интересовались формой, преобразуя предметы. Они добивались впечатления выпуклости с помощью тональных градаций. Прежде всего, они свели многообразие форм к элементам прямоугольника, треугольника и круга. Полихромное богатство Сезанна, охватившее весь спектр, они свели в основном к черному, белому, серому, охре, коричневому и синему цвету. Контраст света и тени ими был использован во всех возможностях его многотональности. Картины стали уподобляться рельефу, а их содержание свелось к нескольким предметам домашнего обихода. Музыкальные инструменты, благодаря своей утонченности и функциональной красоте форм, вдохновляли живописцев и становились объектами натюрмортов. В качестве контраста к линейным формам и сплошным поверхностям использовались куски ткани, имитации кусков дерева и деревянных решеток. Позже к окрашенным геометрическим формам стали добавлять настоящие предметы, как то: фанера, стекло, листовые металлы, ткани, куски обоев и газет и отдельные типографские буквы. Формы предметов были отделены от их естественной, органической среды и согласованы с абстрактными геометрическими формами. Кубисты разрабатывали новые формы неглубокой многомерной перспективы, позволяющей представить объект в виде множества пересекающихся и просвечивающих плоскостей, сосредоточенных вдоль оси композиции. Объект изображался одновременно со многих точек зрения как комбинация геометрических форм. По мнению кубистов на картине был представлен не только внешний облик объекта, но и знание о нем. Конструктивное сходство и взаимосвязь всех предметов – на это обращают внимание кубисты. Первый этап развития кубизма связан с аналитическими композициями, второму этапу свойственны абстрактные натюрморты.

Пикассо пишет картины «Танец с покрывалами», «Женщина с веером», «Три женщины». В 1908 г. создалось объединение «Бато-Лавуар». В 1911 г. образовалась новая группа кубистов в мастерской Вийона, к которому присоединились Дюшан, Глез, Метценже, Ле Фоконье, Леже, Пикабия, Купка.

Наиболее последовательно кубизм проявлялся в творчестве Ж. Брака (1882-1963) («Арии Баха», «Португалец»).

После Второй мировой войны кубисты ушли в декоративно-прикладное искусство. Глез стал заниматься стенописью, Люрса и Леже – коврами и керамикой. Продолжатели кубистов – пуристы – развивали рационалитическую, рассудочную живопись (Озанфан). С пуризма начинал и Ле Корбюье, считавший, что картину можно построить так же, как машину или здание.

Экспрессионизм (от фр. Expression – выразительность) – одно из направлений авангардизма. Первое поколение экспрессионистов соотносится с деятельностью немецкой группы «Мост» (1905-1912 гг). Их сочная и многоцветная живопись сменяется плоскостной и графичной манерой письма. Группа «Мост» была организована в Дрездене студентами архитектурного факультета Высшего технического училища. Своим предшественником экспрессионисты считали бельгийца Джеймса Энсера с его масками и Эдварда Мунка, чьи картины называют «криками времени». С 1906 по 1912 гг. выставки «Моста» устраиваются то в Дрездене, то в Кельне. Для экспрессионизма характерна изломанность линий, контрастность цвета, деформированность пространства. В 1910 г. В. Кандинский и Ф. Марке организовали альманах под названием «Синий всадник», а в следующем году – выставку с этим же названием. Эта выставка положила начало второму объединению экспрессионистов (1911-1914 гг.). К этому объединению примкнули Макке, Кампендонг, Клее, Кубин, Кокошка. Экспрессионисты – Мунк, Кихнер, Геккель, Нольде и художники группы «Голубые всадники» - Кандинский, Марк, Маке, Клее – вновь пытались вернуть живописи ее психологическое и духовное содержание. Целью их творчества было представить внутренний духовный опыт с помощью форм и цвета, донести до зрителя внутреннее напряжение, которое испытывает автор. Творчество Поля Клее отличается необыкновенным размахом использования цветовых возможностей. Он составил суровые, веселые и мрачные мелодии цвета. В творчестве Дерена отразилось ощущение жестокости среды и сочувствие человеку.

Абстракционизм (от лат. Abstractio- отвлечение). Кандинский начал писать беспредметные картины около 1908 года. Он утверждал, что каждый цвет имеет присущую ему духовную выразительную ценность, что дает возможность передавать духовные переживания, не изображая при этом реальных предметов. Эстетическое кредо абстракционизма Кандинский изложил в книге «О духовном в искусстве», 1910 г.

Между 1912 и 1917 годами в различных частях Европы совершенно независимо друг от друга работали художники, создавая то, что можно было бы отнести к категории «абстрактного искусства». Среди них Купка, Делона, Малевич, Иттен, Арп, Мондриан и Вонтонжерло. Их картины изображали беспредметные, большей частью геометрические формы.

Абстракционизм имеет направления:

· Супрематизм, при котором создание новых типов художественного пространства идетпутем сочетания различных геометрических форм. Это завершение поисков кубистов. В России это районизм (лучизм) Ларионова М., супрематизм Малевича К., в Голландии – творчество группы «Стиль» (с 1917 г.) во главе с Мондрианом и Т. ван Дусбургом.;

· Абстрактный экспрессионизм, при котором главной задачей становится гармонизация бесформенных цветовых отношений. К этому направлению относятся ранние работы Кандинского, когда происходит «освобождение» цвета от форм реальной действительности. Это завершение поисков экспрессионизма и фовизма.

Пит Мондриан (1872-1944) в 1910-е гг. был связан с кубизмом. В Голландии у него появилась группа последователей, объединившаяся вокруг журнала «Стиль». Датский художник Мондриан ввел понятие «неопластицизма». Он не стремился воспроизвести объект, а создавал ощущение его существования на плоскости. Несколько позже Мондриан сделал дальнейший шаг вперед. Он, как гири использовал чистые желтый, красный и синий цвета для конструкции картин, форма и цвет которых совпадал с эффектом статического равновесия. Он не стремился ни к скрытому выражению, ни к интеллектуальному символизму, но к реальным, оптически различимым конкретным гармоническим рисункам. Мондриан писал: «Нет ничего конкретнее, чем линия, цвет, плоскость».

Кандинский Василий Васильевич (1866-1944) – русский художник, основатель и теоретик абстракционизма. Его стиль называют живописным абстракционизмом. С 1921 г. он живет за рубежом. В 1933 г. эмигрировал из Германии во Францию.По Кандинскому художник выражает существующую духовность, он свободен в выборе средств выражения – от «чистого реализма» до «чистой абстракции». Единственный его руководящий судья – принцип внутренней необходимости. Все, что вызвано этим чувством «совершенствует и обогащает душу». Он создавал цвето-ритмические и колористические симфонии, опираясь на «Учение о цвете» Гете, опыты с цветомузыкой Скрябина. Не отрицая реалистической живописи, Кандинский полагал, что освобождение живописи от природных форм освобождает ее от всего постороннего, «внеживописного». Начиная с 1910-го г. мастер создает в основном абстрактные полотна, называя их «Симфониями» или «Композициями». Он пишет теоретические труды: «О духовном в искусстве» (1910), «точка и линия на плоскости» (1926), «Эссе об искусстве и художниках» (1935).

Каземир Малевич (1878-1935) изобрел супрематизм. «Черный квадрат» по мнению автора не просто изображение квадрата, а «восприимчивость к отсутствию предмета». .В 1920-е гг. Малевич создает планиты и архитектоны, применяет находки в архитектурных поисках. В 1930-е гг. возвращается к реалистической традиции («Девушка с красным древком»). Лучизм – одно из направлений абстракционизма, в котором работают Михаил Ларионов и Наталья Гончарова. Клее стремился, как он утверждал, выразить суть космических процессов.

Абстракционизм в скульптуре выразился как интерес к соотношению отвлеченных объемов (К. Бранкузл, Г. Арп), и как решение пространственных отношений (Н. Габо, А. Певзнер).

С приходом к власти фашизма, центр абстракционизма перемещается в Америку. В годы Второй мировой войны сюда из Парижа переезжают Марк Шагал, Макс Эрнст. В 1940 г. в Нью Аорке обосновался Пит Мондриан. В САШ эмигрировали Ласло Мохой-Надь, Ханс Рихтер и другие. Кроме гладкой поверхности живописи художники стали применять наряду с маслом песок, гальку, цемент, слюду.

В 1937 г. в Нью-Йорке создается музей беспердметной живописи, основанной семьей Гугенхейма. В 1939 г. создается Музей современного искусства, созданный на средства Рокфеллера. Искусство становится языком знаков (абстракнная калиграфия Ганса Гартунга).

Футуризм. В 1908 г. математик Герман Минковский сформулировал изменение мировоззрения: «Отныне понятия «время» само по себе и «пространство» само по себе осуждены на забвение: они могут сохранить свое существование только вступив в своеобразный союз между собой».

В основе произведений футуристической живописи, скульптуры и архитектуры лежит выражение движения в двух формах: «проникновение во внутрь» и «одновременности» (скульптор Умберто Боччони «Бутылка, развернутая в пространстве»). Футуризм сложился и получил широкое развитие в Италии в 1910-1920-х гг. В творчестве Луиджо Руссооло, Карло Карра, У. Боччони, дж. Северини появилась тенденция сделать предметом искусства динамизм как таковой. Теоретик футуризма Ф. Т. Маринеттив 1909 г. пишет «Манифест итальянского футуризма». Футуристичесмкие картины – хаотическое нагромождение плоскостей и линий. Художники стремились поместить зрителя в центр картины.

Дадаизм (от фр. Dada – лошадка) – авангардное течение в литературе, изобразительном искусстве, театре возникло почти одновременно в 1915-1916-м гг. в США и Швейцарии. Дадаисты заимствовали у кубистов технику коллажа, у футуристов - любовь к манифестам и публичным действиям, у абстракционистов – спонтанность творчества. Дадаисты утверждают, что мир непостижим, и художники лишь отражают его. В 1915 г. в США художник Дюшан выдвигает программу антиискусства, художественные произведения заменяет экспонированием вещей, которые предстают перед зрителем в непривычном окружении, контексте. Дюшан экспонировал на выставках велосипедную раму, сушилку для посуды и т. п. Ф. Кикабия выставляет репродукции «Моны Лизы» с пририсованными усами и бородой.

Кинетическое искусство (по гр. Kinetikos – приводящий в движение). В произведених искусства применяются возможности движения конструкций и оптические эффекты. Первые попытки развития данного направления встречаются в рамках футуризма, конструктивизма, дадаизма. В начале 1930-х гг. американец А. Кальдер создает мобили – конструкции, приводимые в движение атмосферными явлениями. В 1950-х гг. кинетические конструкции используются в дизайне интерьера. В 1956 г. Сурью в работе «Эстетические категории» обращает внимание на то, что кинетическое искусство может как возбуждать, так и успокаивать.

Изобразительное искусство второй половины XXв.

Сюрреализм (фр. Cur – над). Французский поэт Анре Бретон (1896-1966, «папа сюрреализма» в союзе с Хансом Арпом (1887-1966) и Максом Эрнстом (1891-1976), поэтами П. Элюаром и Б. Пере в 1924 г. издает «Первый манифест сюрреализма». Второй манифест выходит в 1929 г., а третий – в середине 1930-х гг. Бретон определил сюрреалистическое творчество как форму свободного выражения человеческогодуха при отсутствии всяких нравственных и эстетических ограничений. «Сюрреализм – это чистый психический автоматизм… Сюрреализм основывается на вере в высшую реальность определенных форм ассоциаций, до сих пор не принимаемых во внимание, во всесилье сновидений, в незаинтерисованную игру мышления. Он стремиться окончательно уничтожить все другие психические механизмы и заменить их собой в решении основных проблем жизни». Видным представителем ранней поры сюрреализма был Макс Эрнст. Он изображал полустертые в памяти образы юношеских снов. В годы , предшествующие Второй мировой войне, наряду с Максом Эрнстом, Ивом Танги (1900-1955), Хоаном Миро (1893-1995), появляются новые сюрреалисты: испанец Сальвадор Дали, бельгийцы Рене Магритт (1898-1967) и Поль Дельво, австриец Вольфанг Паален (1907-1959), швейцарец Курт Зелигман (1900-1961). Сюрреалисты – Макс Эрнст, Сальвадор Дали и другие – пользовались цветом как средством выражения «нереальных образов». Интуиция, считали они, - единственное средство познания Истины. Некоторые сюрреалисты считали своими предшественниками испанского архитектора Антонио Гауди и Марка Шагала. В сюрреализме иррациональный мир написан с подчеркнутой объемностью. Натуралистические детали передаются с фотографической точностью. Здесь присутствует сочетание реальных и абстрактных форм, тяжелое повисает, мягкое костенеет, твердое растекается.

Сальвадор Дали (1904-1989) родился в маленьком испанском городке. Испания – страна высочайших культурных традиций, где любят и почитают художников. Во многих городах, не говоря уже о Мадриде, можно свтретить памятники Веласкесу, Сурбарану, Рибере, Эль Греко, Гойе. Дали обладал литературным даром. Он пишет «Дневник одного гения», «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим», «История пука», сценарии фильмов, статьи, манифест «Декларация независимости воображения и прав человека на его собственное безумие». Дали внешне напоминал Дон Кихота. Он любил свою жену, руссую по происхождению, Галу. Рафаэль, Леонардо до Винчи, Вермеер Дельфтский, Жан Франсуа Милле – художники, к творчеству которых он постоянно обращался. Расчитывая композиции произведений, Дали занимался математикой и оптикой. В 1974 г. он открыл собственный музей в городе Фигеросе. Одна из его картин названа «Остатки автомобиля, дающие рождение слепой лошади, убивающей телефон» (1932).

Поп-арт (popular art) широкое распроистранение получил в Англии, США, Канаде. Крестным отцом этого направления был Марсель Дюшан (1887-1968). Не удовлетворившись ни эффектами абстрактного экспрессионима, ни техникой наклеивания Курта Швитерса, ни так называемыми редимейдами (готовыми изделиями) Дюшана, предлагаемыми в качестве художественного продукта, некоторые английские и американские художники уже в 1950-х гг. начинают выставлять комбинированные произведения – живописные работы с располженными на них предметами. В поп-арте используются фотографии, муляж, репродукции из комиксов и журналов. Авторы использовали металлический хлам, старые автомобили, рваный холст, обрывки газет, журналов, рекламных проспектов. Э уорхол выставляет в 1965 г. «Четыре супа фирмы Кэмбелл». Р. Лихтенстайн выполняет в 1963 г.произведение «Женщина в цветной шляпке».США широко демонстрировали поп-арт в 1964 г. на XXXII биенале в Венеции, на котором первый приз был присужден американцу Роберту Раушенбергу («Прейсер»). В своих работах он использовал технику коллажа. Искусство поп-арта тесно связано с рекламой и потому поддерживается меценатами. В 1979 г. Музей Гугенхейма в Нью-Йорке организовал большую персональную выставку Йозефа Бойса. Для Бойса важен не внешний вид его творений, но то, что происходит в сознании у зрителей. Хеппенинг – сценическая разновидность поп-арта, театральное действие без продуманного сценария (от англ. Happening – сдучающееся, поисходящее).

Оп-арт (optical art) распространился в 1960-х гг. Использование оптических мотивов в монохромных или ярких композициях роднит его с росписью тканей. Одно из направлений оп-арта – кинетическое искусство (иногда его рассматривают как самостоятельное направление). В оп-арте используется блеск дродащих металлических пластин, оживающих от колебаний воздуха; зеркала, создающие иллюзию пространства. Один из известных мастеров оп-арта – Вазарелли. Он создавал композиции на основе орнимента, в котором с помощью цвета создавалась иллюзия трансформации плоскости (ее выпуклость, вогнутость, неровность).

Гиперреализм (фотореализм) – художественное течение, возникшее в конце 1960-х гг. в США и распространившееся затем в европейских странах. Это течение проявилось прежде всего в живописи (Э. Уорхол и другие). Картины имитируют свойства фотографии: автоматическую визуальную фиксацию мира, документальную точность. У художников Р. Эстеса, Р. Гоинза часто изображаются улицы, реклама, автомобили. Ч. Клоуз интересен применением макрофотографий. К концу 1970-х гг. течение теряет свою силу.

Абстрактный экспрессионизм. Новое поколение абстракционистов (Дж. Поллак, Де Куринг) после Второй мировой войны восприняли от сюрреализма принцип «психического автоматизма». У Поллака акцент перемещается с произведения на сам процесс его создания – живопись-действие (action-painting). Джексон Поллак (1912-1956) ввел термин «дриппинг» – разбрызгивание красок на холст без кисти. Во Франции такая живопись называлась ташизмом (от фр. Tache – пятно), в США - абстрактным экспрессионизмом, в Англии - живописью действия, в Италии – ядерной живописью. Она развивается в 1940-1950-х гг. Так работают художники в США Дж. Поллок, во Франции П. Сулаж и Ж. Матье, в Нидерландах К. Аппел. Ташисты «беззаконны, как в цвете, так и в форме».

Концептуальное искусство (от англ. concept – понятие, идея, общее предсттавление) или информационное искусство имеет множество течений. Произведения концептуального искусства демонстрируют понятия, употребляемые в научных дисциплинах (философии, социологии, антропологии, искусствознании и др.). Это искусство должно изменять традиционную, поверхностную точку зрения человека на окружающие его явления и предметы, способствовать расширению осознания. Так работы данного вида искусства могут раскрывать понятия «пустая форма», «условность» и другие. Раздичают следующие основные течения: ленд-арт, боди-арт, перфоманс, кутьтурное искусство, видео-арт.

Вместе с этой лекцией читают "1.4 Системы с самонастройкой параметров".

Ленд-арт (от англ. land – земля) использует в качестве материала для создания произведений искусства природные объекты. Возник ленд-арт в 1970-х гг. Ленд-арт может ориентироваться на архаические формы архитектурной и изобразительной деятельности. «Спиральный холм» Смитсона имеет диаметр 45м. Часто произведения ленд-арта видны целиком лишь с воздуха. В этих случаях на выставках демонстрируются их фотографии. Интересны работы в этом виде искусства Христо. Одни из первых работ этого мастера, принесшие ему всемирную известность, были композиции с зонтиками. Христо расставил пляжные зонтики синего цвета на протяжении несколоких километров в природном ландшафте в Америке. Лента из ярких синих точек выделялась на фоне естественного окружения и производила фантастическое впечатление. В Японии он также играл с желтыми зонтиками. Следующие его произведения представляют собой «упоковку» или «драпировку» крупных архитектурных или природных объектов. Например, он покрыл тканью Рейхстаг в Берлине, упоковал в насыщенную розовую ткань остров, мост и т.д.

Боди-арт – разновидность перфоманса, в котором исползуется тело челвека для создания произведения.

Перфоманс – изображение состояний сознания с помощью сценических действий. При этом используется внешний вид, жесты, поведение художника или группы авторов. Перфоманс возник в 1960-х гг.

В культурном искусстве используются известные картины художников или фотографии известных произведений искусства. Они красятся, дорисовываются и т. п. В видео-арте используются возможности кинематографа и компьютерной анимации для воздействие на сознание зрителя.

Графити как разновидность искусства, субкультуры имеет свои законы и показатели мастерства. Произведение графити выполняется за один сеанс с использованием максимального колличества оттенков цвета. Стилизованный текст должен быть хорошо закомпонован, иметь оригинальную стилистику.

Фентези как направление в искусстве получило развитие в творчестве Валеджо. Это иллюстрация сюжетов фантастических произведений, где идеальные по физическим характеристикам фигуры мужчин и женщин сочетаются с космическим, неземным стилем одежды, показом энергетических потоков, световых лучей, неземными пейзажами, фантастическими существами. Такой стиль получил большое распространение в оформлении обложек популярных книг не только фантастического, но и детективного и любовного жанров. При этом он утратил свою уникальность, оригинальность и собственно художественную ценность.

Поделитесь ссылкой:

Популярные услуги

Течения и стили авангарда

Рекомендуемые материалы

Рекомендуемые лекции