Особенности английской культуры и искусства XVIII века

Английское Просвещение породило жанр реалистического романа, который явился своеобразной мастерской для разработки новых приемов изображения действительности. На волне реализма взлетели Даниэль Дефо (1661-1731), Сэмюэль Ричардсон (1689-1761), Генри Филдинг (1707-1754), великий актер Дэвид Гаррик (1719-1779), живописец Уильям Хогарт (1697- 1764).

Филдинг в какой-то мере явился продолжателем сатирической линии Свифта-памфлетиста. В повести «Джонатан Уайльд» главарь преступной шайки обращается к двум враждующим группировкам разбойников (под которыми Филдинг, надо думать, подразумевал тори и вигов) со следующими словами: «Джентльмены, мне стыдно видеть людей, посвятивших себя столь великому и славному начинанию, как ограбление публики, занятых такими глупыми и мелочными раздорами».

Роман «История Тома Джона, найденыша» во многом напоминает плутовской роман ХV-ХVII вв., он насыщен неожиданными поворотами сюжета, приключениями. Однако главный герой его бывает порой умилительно простодушен, видимо, Филдинг хотел показать человека, начисто лишённого буржуазной расчётливости и пуританского благоразумия.
Возможно, что самое могучее влияние Просвещение оказало на английский театр. В то время как в середине ХVII столетия во Франции был всего лишь один-единственный театр, в Лондоне их насчитывалось около 20. Коренную реформу театрального искусства удалось осуществить гениальному актёру Дэвиду Гаррику. Гаррик отбросил комплекс классицистских условностей и старался максимально вжиться в своих героев. Современник Гаррика, рецензент, писал о нём: «Играя на сцене, он перевоплощается в исполняемый образ так, что публика видит перед собой не актера, а исполняемого актёром человека».

Английское искусство появилось на свет уже весьма «умным», рассуждающим, опирающимся на фундамент эстетики, на опыт литературы и театра. В отличие от французских просветителей, просветители Англии в прямой критике не добивались коренных изменений общественного и государственного строя, поскольку революция была уже позади, тем не менее, и они были вполне решительны и непримиримы.

В 30-х годах ХVIII столетия наступил расцвет английской живописи. Первым английским художником, снискавшим мировую известность, был Уильям Хогарт. В своем теоретическом трактате «Анализ красоты» (1753) художник выдвигал положение эстетики реализма, выступая против бездушного эклектизма официального академического направления.

Хогарт отстаивал бытовую живопись, основанную на непосредственном наблюдении и раскрывающую сущность жизненных явлений. Наибольший успех Хогарту принесли его работы на бытовые и нравоучительные темы. Излюбленным «коньком» живописца были серии картин маслом. Впоследствии картины воспроизводились в гравюре на металле самим художником. Часть досок гравировали привлечённые им к участию в этой работе другие граверы.

«Карьера проститутки» - так назывался первый из этих циклов, который вышел в свет в 1732 году и сразу получил большую известность. Вторым циклом был цикл из восьми листов «Карьера мота», вышедший в 1735 году. Спустя 10 лет Хогарт создаёт наиболее известный из циклов - «Модный брак», состоящий из 6 картин, хранящихся в Национальной галерее Лондона. Затем последовали циклы «Жизнь подмастерья», «Прилежание и леность». Последний, вероятно, был наименее удачным из всех. В 1754 году Хогарт закончил последний из своих циклов, «Парламентские выборы». Он состоял из четырёх картин, отличающихся сатирической остротой и необычайно смелой и динамичной живописью.

Хогарт также послужил родоначальником особого жанра портретной живописи. В 20-30-е годы он создал много так называемых «разговорных картин» - групповых портретов, в которых персонажи связаны каким-нибудь относительно несложным сюжетом, действием, преимущественно беседой. Картины эти имели большой успех. Например, портрет быстроглазой, розовощёкой «Девушки с креветками».

Крупнейшим мастером английской живописи второй половины XVIII века был Джошуа Рейнольдс. Лучшую часть его художественного наследия составляют портреты представителей высших слоёв английского общества. Индивидуальные особенности моделей передаются Рейнольдсом с трезвой реалистической позиции, общая концепция рациональна, однако, в то же время в творчестве художника нашёл выражение специфический характер эстетических требований и вкусов господствующих классов Англии его времени.

Первой работой, принесшей ему успех и известность, был портрет адмирала Кеппеля, написанный в 1753 году. За ним последовали многочисленные заказы, в некоторые периоды он писал до сотни портретов в год. Лучшим портретом зрелого периода творчества Рейнольдса, длившегося до середины 1760-х годов, является портрет Нелли О`Брайен, датированный 1760-1762гг.

Фигура молодой женщины занимает почти всю плоскость холста. Красиво написано свежее лицо, верхнюю часть которого покрывает мягкая прозрачная тень от шляпы. В этом портрете особенно ясно видны результаты изучения Рейнольдсом живописи венецианцев и поиски колористической гармонии.

В 1768 году Рейнольдс становится первым президентом Королевской академии художеств. При его помощи в Англии была создана система обучения художников, которая основывалась на широком профессиональном образовании. Наиболее плодотворный период творчества Рейнольдса приходится на середину 1770-х годов и позднее. Именно в это время художник написал портрет знаменитой актрисы Сары Сиддонс, портрет адмирала лорда Хитфилда, портрет «Мисс Хорн с ребёнком».

Апологетом английского сентиментализма в живописи явился Томас Гейнсборо (1727-1788). Самое большое влияние на манеру Гейнсборо оказал голландец Ван Дейк, что прочитывается в композиционном построении многих портретов и в некоторых живописных приемах английского художника. При всем этом Гейнсборо ни разу не предпринял поездок в чужие страны для ознакомления с работами старых мастеров, как это делал Рейнольдс.

Томас Гейнсборо (1727-1788) родился в маленьком, типичном для Восточной Англии городке. Семейство Гейнсборо было типичным семейством почтенных купцов. Отец торговал сукном, дела его понемногу приходили в упадок, как у многих других в канун великой Промышленной революции. И только Томас, младший, девятый ребенок в семье оказался нетипичным. Вместо того чтобы приглядываться к работе отца, он, прогуливая школу, рисовал все, что видел вокруг, - деревья, зеленые изгороди, овраги, скалы, пастухов, крестьян, лошадей, собак. Когда мальчику исполнилось 13 лет, родственник увез его в Лондон и пристроил к серебряных дел мастеру. Население страны было меньше, чем во Франции, Германии или даже Италии, а Лондон уже в конце XVII века стал крупнейшим городом в Европе. В нем кипела культурная жизнь, работали 17 театров, научные общества, существовала мощная художественная школа - целый мир, независимый и влиятельный, не последнее место в котором занимали меценаты, покровители талантов. Один из них и приметил способного мальчика, обеспечив Томасу возможность учиться в Академии св. Мартина (Королевская Академия художеств будет создана только через тридцать с лишним лет).

Наиболее известные и зрелые произведения мастера создаются в 1770-х годах. Это «Голубой мальчик», «Портрет миссис Грэхем» и некоторые другие. В числе лучших портретов Гейнсборо портрет Сары Сиддонс.

Заветным желанием Гейнсборо было удалиться на покой и писать пейзажи. Та Англия, которую он действительно любил, - это Англия уютных усадеб, далёких от столичной суеты, где жизнь течет созерцательно и неспешно, как длинный безмятежный летний день, от восхода до заката. Но портреты доставляли ему известность и деньги, а пейзажами Гейнсборо при его жизни мало кто интересовался. Все смешалось в художественной культуре Англии того времени - остатки принципов и традиций барокко, диктовавшего торжественный «большой стиль»; занесенное из Франции рококо, изящное, декоративное, но неглубокое; классицизм с его организованностью форм, идеализированной природой, строгой иерархией искусств, в которой излюбленные Гейнсборо пейзаж и портрет занимали низшую ступень; сентиментализм, взывавший к «естественным чувствам»; нарождавшийся острый, сатирический реализм.

Картинных галерей и музеев в Англии еще не было, доступ к частным коллекциям имел не всякий, но существовало замечательное английское изобретение - аукционы, где выставлялись картины на продажу. На аукционных выставках и отражалась борьба художественных мнений и вкусов.

Юный Томас Гейнсборо впитывал могучую живопись Рубенса и Ван Дейка, тонкую реалистичную живопись «малых голландцев», реализм Хогарта, извивы рококо, но в зрелые годы не копировал выигрышные приемы, а с их помощью пытался передать состояние и движение природы, характер человека. В начале пути, вынужденный зарабатывать на жизнь, он выполняет декоративные работы, пишет маленькие пейзажи. Одна из самых ранних подписных картин изображает бультерьера на фоне пейзажа, а на обороте рукой художника сделана уважительная надпись: «Замечательно умный пес».

Скоро Гейнсборо замечают и начинают ценить коллеги, сам Хогарт приглашает его к участию в украшении детского приюта, и он пишет вид лондонского госпиталя «Чартерхаус». Но этой работе, выполненной в 1748 году, когда Гейнсборо был 21 год, видно, как зарождались особенности его мастерства. При неизбежном для изображения архитектурных форм математически точном построении композиции здесь уже присутствуем движение, увлекающее зрителя, при замкнутом пространстве уже сделана попытка прорыва, создания форм игрой теней и света. Человеческие фигурки - ритмические точки - уже пытаются жить собственной жизнью.

У зрелого Гейнсборо мы не найдем ни городских архитектурных пейзажей, ни даже изображения узнаваемых конкретных мест. Несмотря на необходимость зарабатывать, он отказывался писать топографически точные виды поместий, которые жаждали иметь английские сквайры.

Заказов «для души» добиться в Лондоне не удавалось, и Гейнсборо переехал в небольшой портовый город Ипсуич, где было поменьше соперников. Первым, кто пригласил его к себе, был местный помещик, желавший... покрасить окна и двери. Однако дело постепенно налаживалось – здесь художник написал около 80 портретов, продемонстрировав замечательный дар мгновенно и точно схватывать сходство.

Долгое время главным в творчестве Гейнсборо считался портрет, хотя самому художнику всегда был ближе пейзаж. Однако отвлеченных пейзажей тогда не ценили, а потому не заказывали и не покупали, мода на них пришла лишь в конце XVIII века. Может быть, необходимость писать портреты ради денег в сочетании с душевной потребностью писать пейзажи и привели Гейнсборо к одному из его главных художественных открытий - созданию пейзажного портрета, где человек и природа сливались воедино.

Огромную роль в творчестве художника сыграла его редкостная музыкальность. Каким-то чудом Гейнсборо сумел перенести свою любовь к музыке и ее тонкое понимание в живопись - в портреты, где легкая игра светлых пятен, вьющиеся линии создают впечатление только что отзвучавшей мелодии; в пейзажи - с их ритмической перекличкой. «Лес Корнар» («Лес Гейнсборо»), написанный в 1748 году, - итог раннего творчества художника. Текущая под облачным небом меж могучими деревьями извилистая дорога пронизана серебристым светом. Крестьяне на дороге уже не просто маленькие фигурки, но часть природы, достойная художественного изображения. Гейнсборо постепенно отказывается от реальных наблюдений в природе и варьирует по собственному усмотрению самые разнообразные мотивы, воспоминания о родных местах. В портретах он пытается передать мгновенное, непосредственное впечатление от модели, невзирая на ее «общественное положение»; его интересует обычный повседневный облик человека.

В 1759 году художник переехал в модный курортный городок Бат, о котором мы знаем из произведений Чарлза Диккенса, - там с октября по апрель собиралось высшее общество, к услугам которого были минеральные воды, бассейны, развлечения. Портрет Анны Форд, музыкантши - любительницы, мечтавшей о профессиональной карьере, привлек всеобщее внимание. Любовь художника к музыке продиктовала композицию портрета - очертания женской фигуры повторяют форму гидры, лежащей на коленях Анны, и выступающей из полутени виолы.

С 1759 года начались ежегодные общедоступные выставки в лондонском Художественном обществе, и Гейнсборо регулярно посылает на них свои работы, резко выделявшиеся на общем фоне. В ту пору господствовали два типа пейзажей - героико-исторический, который развивали знаменитые французские живописцы Никола Пуссен и Клод Лоррен, и прозаическая топографическая видопись, столь милая сердцам владельцев английских поместий. Гейнсборо же показывал естественную жизнь природы и жизнь человека в природе. Бесконечно разнообразны световые эффекты, передающие самое разное время суток; художник увлечен ночными пейзажами, пробует работать при искусственном освещении. Музыкальность его композиций помогает отойти от непосредственной передачи натуры и заняться ее ритмическим преобразованием. На редкость необычным был творческий метод Гейнсборо. Не делая эскизов, он начинал работать сразу на холсте в затененной мастерской, постепенно впуская все больше света, чтоб выхватить детали. По словам его главного соперника, первого президента Академии художеств, сэра Джошуа Рейнолдса, вблизи живопись Гейнсборо выглядела настоящим хаосом, а на расстоянии все как по волшебству вставало на свои места и обретало форму. Внешне незавершенные картины заставляли зрителя думать и фантазировать, участвуя в творческом процессе.

Гейнсборо охотно шел на всевозможные технические эксперименты. В Лондоне в 1781 году состоялось несколько сеансов своеобразного волшебного фонаря, с помощью которого на подсвеченном экране демонстрировались в сопровождении музыки слайды. Очарованный этой забавой, Гейнсборо построил собственный аппарат и расписал десятки стеклянных пластинок - лунный пейзаж с хижиной, цыгане у костра...

Писал Гейнсборо чуть ли не двухметровыми кистями, стараясь находиться на одинаковом расстоянии от модели и от холста; клал тени привязанным к палочке кусочком губки, а пробелы прорабатывал обломком белил, зажатым сахарными щипчиками; краски разводил очень жидко. Его портреты часто кажутся чрезмерно яркими, но надо помнить, что дамы в XVIII веке не мыслили себя без косметики, были модны очень красные тубы, черные брови и ресницы, белила, румяна, сильно напудренные волосы. Как необычно проявилась эта внутренняя жизнь в работах Гейнсборо начала 1770-х годов! Пышный парадный свадебный портрет 17-летней Мэри Грэм - выступающая из грозовой темноты серебристая фигурка, пепельно-серые и приглушенные золотистые тона. Образ и атмосфера портрета вызывали почти суеверные чувства - миссис Грэм умерла молодой, горячо любивший ее муж был не в силах смотреть на изображение. Картину упаковали и спрятали почти на полвека. Джонатан Баттл (этот портрет еще называют «Голубой мальчик») стоит в небесно-синем костюме на коричневато-сером фоне листвы и заката. Редкостное для XVIII века проникновение в духовный мир мы видим в портрете герцогини де Бофор («Дама в голубом»— единственная картина Гейнсборо в нашей стране, в собрании Эрмитажа), словно сотканной из легких мазков, тающей и мерцающей в изысканной гармонии холодных тонов; королевы Шарлотты, некрасивой, но очаровывающей зрителя благодаря виртуозному письму об этом полотне один из современников художника сказал: «Признак таланта - создание прекрасных вещей из невозможных сюжетов»; скользящей в танце Джованны Бачелли; знаменитой актрисы Сары Сиддонс и во многих других работах Гейнсборо, оставившего нам настоящую портретную галерею английского общества.

Скажем еще об одном шедевре художника - портрете миссис Шеридан, жены прославленного драматурга, написанном в 1783 году. Она сидит на скамье под деревом, чуть ли не растворяясь в пейзаже. Трудно понять, где пряди ее волос, ленты шарфа, а где волнующаяся под ветром листва. Прекрасное задумчивое лицо вечно будет сиять в мягком сумеречном свете дня.

Громкая слава пришла к Гейнсборо незадолго до смерти, и в некрологах его назвали «певцом природы», чего художник добивался всю жизнь, и в середине XVIII века Томас Гейнсборо проторил дорогу не только романтикам, но и импрессионистам, намного опередив свое время.

Век Просвещения подарил человечеству множество замечательных мастеров. Мы не можем не упомянуть об Аллане Ремзее (1713-1784), третьем из основателей школы портретной живописи, основателе шотландской школы живописи, который задал её тон на несколько веков вперёд. Ремзей в 16 лет поступил в художественное училище — Академию св. Луки в Эдинбурге. Затем он учился некоторое время в Лондоне у шведского художника Ганса Хюсинга, а в 1736-1737 годах — в Италии. С 1738 года Ремзей работал в Эдинбурге, а в 1757 году обосновался в Лондоне. Он был одним из членов-учредителей академии художеств.

Ремзей был высокообразованным человеком, дружил со многими выдающимися деятелями английской культуры, переписывался с Вольтером и Руссо. Во время пребывания Руссо в Англии, Ремзей написал его портрет. Работы Ремзея отличаются уверенным, точным рисунком, уравновешенной композицией и сдержанной прохладной гаммой тонов. Характерным примером портретной живописи Ремзея является «Портрет Эмили, графини Килдер» (1756). Особенно много заказчиков было у шотландского мастера из среды его знатных соотечественников. Мы не можем не упомянуть об основном сопернике Рейнольдса Джордже Ромни, который обладал счастливым даром делать свою модель красивой, не теряя при этом портретного сходства. В эрмитажном собрании его творчество представлено уверенно написанным «Портретом миссис Грир» (1781).

Огромный вклад в совершенствование английской живописи вложили Джон Хопнер (1758-1810), Бенджамин Уэст (1738-1820), Ричард Уилсон (1714-1782) – «Речной пейзаж с замком и фигурами», Джордж Морленд (1763-1804) – «Приближение грозы», Джозеф Райд из Дерби (1734- 1797) – «Опыт с воздушным насосом», «Лекция о солнечной системе». Картина Уэста «Смерть генерала Вольфа» (1770), написанная в Англии, изображала эпизод завоевания англичанами Канады. Это была первая картина в европейской живописи ХVIII столетия, реалистически представлявшая действительное историческое событие, происшедшее за несколько лет до её написания. Хорошее знание обстановки, людей и природы заокеанских колоний было использовано живописцем для правдивой передачи условий, в которых происходила битва под Квебеком.

В большинстве стран Европы ХVIII век был беднее художественными ценностями, чем ХVII век, а в некоторых, как в Голландии, Фландрии, Испании, изобразительное искусство «галантного» столетия опустилось до уровня посредственности. Англия являлась исключением. Только в ХVIII веке Англия выдвинула живописцев всеевропейского масштаба. К этому времени послеренессансное искусство в других странах уже прошло большой исторический путь, и значительно прогрессировала теория, эстетическая мысль. И в самой Англии философия искусства опережала его практику, что сообщило особый отпечаток английскому искусству.

Однако в целом изобразительное искусство Англии XVIII века не пошло по пути повествовательности. Рассказ был предоставлен литературе, а живопись, наверстывая упущенное, совершенствовала свои собственные возможности главным образом в жанре портрета. Напомню, что портрет и ранее культивировался в Англии, беря начало от Гольбейна и Ван Дейка. Укрепленный литературой интерес к психологии поддержал эту традицию. Плеяда портретистов второй половины XVIII века является гордостью английского искусства. Достаточно назвать двух крупнейших, которые были в известном смысле антиподами, — Рейнолдса и Гейнсборо.

Джошуа Рейнолдс (1723-1792)

В 1789 году в Россию на корабле «Дружба» прибыла из Англии огромная картина, выполненная прославленным английским живописцем Джошуа Рейнолдсом по заказу русской государыни Екатерины II. Сюжет монументального полотна «Младенец Геракл, удушающий змей, подосланных Герой» - одной из наиболее известных исторических композиций Рейнолдса, - был выбран неслучайно - рассматривали как своеобразную дипломатическую миссию по укреплению взаимоотношений между двумя странами и высокую честь, оказанную Англии. Екатерина II заплатила за картину 1500 гиней, послала художнику табакерку со своим портретом, украшенным бриллиантами, и благодарственную записку.

В последней трети XVIII века национальная английская школа живописи достигла подлинного расцвета, а ее признанным лидером, законодателем «моды», «высокого» стиля в искусстве стал автор «Младенца Геракла» Джошуа Рейнолдс. Ко времени создания этого знаменитого полотна, и поныне украшающего петербургский Эрмитаж, Рейнолдс находился на вершине славы, осыпанный всевозможными почестями и званиями. Похоже, судьба изначально благоволила к молодому человеку, провинциалу из небогатой семьи пастора в г.Плимптоне, в Девоншире. «Я буду художником, если вы дадите мне возможность сделаться хорошим художником», как утверждают, сказал он родителям. И судя по всему такую возможность он получил.

В 1741 году 18-летний Рейнолдс поступил в мастерскую к модному тогда, но весьма заурядному портретисту Хадсону, где проучился два года. Обретя необходимые навыки профессионального художника, Рейнолдс вернулся из Лондона на родину и стал исполнять незначительные работы. Дальнейшему своему развитию и успеху художник прежде всего был обязан покровителям - знатным девонширским помещикам, которые радушно его принимали. В Англии XVIII века довольно многие меценаты-аристократы увлекались «выращиванием»художественных талантов. В доме лорда Эджкомба Рейнолдс познакомился с капитаном (впоследствии адмиралом) Кеппелем, который помог ему побывать в Италии. Художник запечатлел этого романтически воодушевленного молодого офицера на берегу бурного моря.

На протяжении трех лет Рейнолдс изучал и копировал творения великих мастеров прошлого, особенно фрески Микеланджело в Ватикане, венецианских живописцев и, прежде всего Тициана. На обратном пути в Англию Рейнолдс останавливался в Париже, познакомился там со многими шедеврами живописи, а уже в зрелые годы дважды побывал в Нидерландах, где на него оказало особенно сильное воздействие искусство Рембрандта.

По возвращении из Италии в 1753 году Рейнолдс окончательно обосновался в Лондоне и открыл собственную мастерскую. Благодаря своей высокой технике, необычайной работоспособности и широкому покровительству художник вскоре стал очень популярным. Слава Рейнолдса росла, как и цены на его портреты, но это не останавливало многочисленных поклонников, желавших быть запечатленными кистью национального «маэстро». Были годы, когда Рейнолдс писал по три-четыре портрета в неделю, но позже, став видным общественным деятелем, создавал не более 60-70 портретов в год, и почти каждый из них становился событием в художественной жизни Англии.

Человек светский, хорошо воспитанный и образованный, он дружил со многими из тех, кто составлял «цвет» нации - ученым-литератором С. Джонсоном, великим трагическим актером Л. Гарриком, замечательными английскими писателями-драматургами О. Голдсмитом, Я. (терном, Р. Шериданом и другими светилами того времени. Все они увековечены в портретах художника, не только великолепно передававшего сходство с оригиналом, но и сумевшего в каждом выявить характерное, сугубо индивидуальное. Отступая от установившихся еще с XVII века традиций парадного портрета с его пышным декором и идеализацией модели, Рейнолдс стремился подчеркнуть, прежде всего, личные достоинства человека, при этом сохраняя взволнованно- торжественный стиль, свойственный его портретам.

Губернатор Гибралтара, лорд Хитфилд изображен на фоне дымящихся орудий, с ключом от крепости, которую он отстоял от посягательств испанцев и французов. К своим моделям художник относился достаточно сдержанно (его портреты всегда холодноваты) и в то же время старался в меру им польстить, находя в каждом что-то наиболее выигрышное. Большинство изображенных респектабельны, но не напыщенны, и все аристократичны, даже если это представители буржуазной или артистической богемы, как Нелли О'Брайен (лучший женский портрет Рейнодса), о любовных похождениях которой судачил весь Лондон.

Видное место среди портретов Рейнолдса занимают детские. У каждого ребенка свой облик и жесты, типичные имений для его возраста. Рейнолдсу, человеку суховатому и педантичному, не имевшему своей семьи и даже, по свидетельству современников, ни разу не пережившему романтическое увлечение, доставляло особое удовольствие изучать лицо ребенка, его фигуру, жесты. Истинным шедевром, по признанию самого Рейнолдса, стала «Девочка с земляникой» - решенный глубоко психологически портрет его племянницы Оффи Палмер.

Во всех полотнах Рейнолдса поражают удивительная композиционная изобретательность, прирожденное чувство ритма, насыщенный, теплый колорит, светотеневые контрасты, свидетельствующие об уроках у венецианцев, Рембрандта, других мастеров прошлого. В высказываниях Рейнолдса постоянно развивается мысль о том, что художник должен знать опыт великих предшественников и вправе их «цитировать». «Изучая изобретения других, мы сами научаемся изобретать; можно взять готовую форму и влить в нее новое содержание - тогда картина является собственностью художника, несмотря на очевидные заимствования», - эту концепцию Рейнолдса поддержали и его друзья- философы.

Свои мысли об искусстве Рейнолдс изложил в знаменитых «Речах», которые он ежегодно произносил перед слушателями Академии художеств в Лондоне. Они многократно издавались отдельной книгой и стали важным вкладом в классическую эстетику эпохи Просвещения, в значительной степени повлияли на формирование художественного вкуса современного ему английского общества. В своей эстетике Рейнолдс защищает строгое академическое преподавание и настаивает не только на изучении старых мастеров, но и на постоянном обращении к натуре. Приверженец классических традиций, почитатель античности и Высокого Возрождения, он в то же время был близким другом Стерна, одного из главных представителей сентиментализма в Англии, искавшего «дорогу к сердцу». Рейнолдс сам в одной из своих речей провозгласил первенство в искусстве воображения и чувства. Его портретам часто присуща та двойственность, которая ощущается в его теории.

Еще при жизни старшего современника Рейнолдса - У. Хогарта в английском обществе зрело желание создать профессиональное художественное учебное заведение, с постоянным выставочным помещением и музеем. В декабре 1768 года устав Академии художеств был подписан королем, ставшим ее патроном, так что и по сей день Академия имеет титул Королевской. Ее двери распахнулись для первой выставки 130 картин известнейших английских живописцев того времени во главе с Рейнолдсом. С тех пор в стенах этого учебного заведения регулярно устраиваются выставки, а из лучших дипломных работ выпускников Академии составлена и постоянно пополняется замечательная картинная галерея.

Первым президентом Королевской академии художеств стал и почти до самой смерти оставался Джошуа Рейнолдс. Президент Академии расширял с каждым годом свои общественные связи, становился членом всевозможных клубов, получил степень доктора гражданского права Оксфордского университета, был избран мэром родного города Плимптона и с 1784 года занимал должность главного королевского художника.

Создавая «исторический», «большой» стиль в портретной живописи, Рейнолдс как глава Академии не мог не отдать дань собственно исторической картине. В академической иерархии жанров на первом месте традиционно был исторический (хотя в те времена под историческим сюжетом подразумевался прежде всего мифологический или религиозный). Но знаменитого портретиста в этом жанре преследовали неудачи. Среди большого числа малооригинальных исторических композиций Рейнолдса наиболее интересными и облагающими высокими художественными достоинствами являются уже упомянутый «Младенец Геракл» и написанный по заказу Потемкина «Амур, развязывающий пояс Венеры».

Джошуа Рейнолдс творил более 40 лет, имел множество поклонников и немало друзей, но всегда оставался одинок. С молодости он плохо слышал, а с 1789 года начал терять зрение. Биографы рассказывают, что, когда художник перестал видеть одним глазом, он положил кисть на мольберт и спокойно заметил с мужеством, которое ему никогда не изменяло: «Всему на свете есть конец, пришел и мой конец». В 1790 году Джошуа Рейнолдс сказал прощальную речь студентам Академии, а в 1792 году он был торжественно похоронен в лондонском соборе св. Павла, навсегда оставшись гордостью английской живописи.

Уильям Хогарт (1697-1764)

Каждая европейская страна пережила свой «золотой» век классического искусства, отмеченный высочайшими достижениями национальной художественной школы, творчеством самых отдаренных мастеров. Для Англии таким веком стал восемнадцатый. Победившая в конце XVII столетия буржуазная революция дала возможность этой стране стать богатейшей державой мира, где работало целое созвездие талантливых философов, ученых, писателей, театральных деятелей, художников.

Но в первой трети XVIII века, когда великий Хогарт был еще молод, этот процесс только начинался. Однако уже тогда в Англии сложились богатые традиции литературы и театра, а славные имена поэтов предшествующего времени Джефри Чосера, Джона Мильтона и особенно Уильяма Шекспира составляли гордость нации.

Театр еще со времен Шекспира занимал особое место в жизни англичан, оставаясь и в XVIII веке едва ли не самым любимым их увлечением. И не случайно одна из постановок была, увековечена в самой ранней тематической композиции Хогарта. Это был особенно нашумевший в 1720-е годы красочный и остроумный спектакль «Опера нищего» Джона Гея. Хогарт откликнулся на спектакль, от которого был в восторге, картиной «Опера нищего» (1727), где очень точно воспроизвел одну из сцен третьего акта пьесы - детали, декорации, исполнители, - то, что обычно навсегда уходит. А, кроме того, эта работа стала своего рода отправной точкой в том неизведанном мире, куда Хогарта влекла его «Муза комедии».

Уильям Хогарт родился в Лондоне, в семье бедного школьного учителя-неудачника. Жить приходилось почти в трущобах, в холоде и голоде, один за другим умирали братья и сестры маленького Уильяма. А впечатлительная натура мальчика уже впитывала «крики» Лондона - царившие на его улицах быт и нравы, подмечала противоречия и парадоксы.

В столице Англии была тогда сосредоточена вся общественно-политическая и культурная жизнь страны. Но здесь же соперничали роскошь и нищета, изысканность и вульгарность, каких в «галантном» XVIII веке не знала ни одна европейская столица. На улицах Лондона, в кофейнях, в домах Хогарт встречал людей разных сословий, профессий, нравов и взглядов, внимательно присматривался к ним. Для Хогарта, чье общее образование ограничивалось уроками отца да неоконченной приходской школой, именно Лондон стал подлинным учителем. И мастер, рисовавший вывески, и гравер, и придворный живописец Джеймс Торнхилл, у которых Хогарт обучался профессиональному умению, в своих художественных интересах были далеки от того, что особенно влекло их подопечного - повседневность, жизненность, реализм.

Хогарт первым вступил на рискованный и тернистый путь зачинателя новых жанров. А по существу стал творцом самобытного, чисто английского искусства. «Я обратился к совсем новому жанру - к писанию картин и созданию гравюр на современные нравственные темы - области, еще не испробованной ни в одной стране и ни в какие времена», -вспоминал он позже в «Автобиографии».

Первая живописная «пьеса» Хогарта - серия из шести картин «Карьера потаскушки» (1731) - показывает дно английского общества. Это грязные улицы вдали от фешенебельного центра Лондона, жалкие холодные комнаты дешевых домов, становившиеся нередко притонами бродяг и воров; тюрьма, страшный образ которой жил в сознании Хогарта с детства, - его отец был арестован за неуплату долгов.

Достоверна и типична не только история падения героини Хогарта -Мери Хэкэбаут, неопытной провинциалки, с легкой руки сводни превратившейся в проститутку. Кажется, что все персонажи написаны с подлинных лиц, их даже отождествляли с известными публике современниками. И это не случайно - Хогарт хотел, чтобы сюжет и мораль каждой картины и серии в целом были предельно понятны зрителю.

Такой подход к живописи был абсолютно новым в изобразительном искусстве, но не в философии, театре, литературе Англии XVIII века. Вера в исправительную, очищающую силу искусства была характерна для английского Просвещения, призывавшего активно вторгаться в жизнь, воздействовать на нее.

Хогарт стал первым и самым ярким художником-просветителем Англии. Знаменитый писатель-просветитель Генри Фелдинг провозгласил Хогарта «одним из самых полезных сатириков своего времени». По Хогарту, основная задача «полезного искусства» - не развлечение публики, а обличение порока, суд над жизнью, вершит который сатира. Гравюры, которые со своих картин собственноручно делал Хогарт, раскупались, развозились во все уголки Англии, принесли их автору широкую известность.

К 1735 году появилась «Карьера распутника», состоявшая из восьми картин. В этой серии окончательно определилось основное направление искусства Хогарта: сатирически заостренный реализм. В XX веке на несколько видоизмененный сюжет этой серии была написана опера великого композитора И.Ф. Стравинского «Похождения повесы».

У Хогарта каждая серия объединена общим сюжетом, единым героем, действие развивается из картины в картину. Между крайними событиями обеих серий - приездом в Лондон Мери и похоронами, вступлением в наследство Томаса и его заключением в сумасшедший дом Бедлам - Хогарт подробно изображает жизнь Лондона. Впервые в искусстве город становится не просто фоном и даже местом действия, а живым организмом, со своей меняющейся физиономией, характером, настроением. Он обретает самостоятельную тему в творчестве художника, о чем говорит исполненная большого чувства серия «Четыре времени суток» (конец 1730-х). Позже, в своей знаменитой гравюре «Переулок Джина» (1751) Хогарт показывает самую уродливую и отвратительную гримасу города - повальное пьянство и его последствия, ставшие тогда подлинным бичом и болью английского общества. В 1740-е годы в Лондоне джин стоил едва ли не дешевле чая, по этой причине смертность вдвое превысила рождаемость; на сто жителей города, включая детей и стариков, приходилось по питейному заведению.

К середине 1740-х годов Хогарт был уже видным деятелем английской культуры, достаточно обеспеченным человеком, но продолжал оставаться поборником справедливости, вскрывал «язвы», поразившие не только «низы», но и «верхи» английского общества. В 1744 году под кистью Хогарта рождаются шесть картин новой серии, самого знаменитого его живописного театра - «Модный брак», где художник высмеивает и осуждает уже не дешевых проституток и сведен, не ничтожных развратников, а высшие круги английского общества.

В те времена беднеющая аристократия Англии стремилась сблизиться с богатыми буржуа, зачастую идя на «модные браки» - «деловые» союзы без любви. Хогарт впервые создает социальную сатиру, опережая своего современника писателя Филдинга и открывая путь в литературе Уильяму Теккерею и Чарльзу Диккенсу в XIX веке, но в живописи Англии ни при Хогарте, ни позже уже ничего подобного не было. Серия «Модный брак» замечательна и живописными достижениями, но лишь XX столетие сумело оценить высокие эстетические достоинства работ художника, блестящее мастерство Хогарта-колориста. В 1750-е годы в творчестве Хогарта дошел черед до «святая святых» английской эпохи, заложил особенности национального живописного языка и вошел в историю мирового искусства как «отец английской живописи».

Именно в ХVIII веке оформилась самобытная английская графика, английская школа акварели, разработавшая оригинальную технику, и светлую, звучную палитру чистых тонов. Крупнейшими мастерами акварели ХVIII века были Поль Сэндби (1725-1809), Джон Роберт Козенс (1752-1799) и Томас Гертин (1775-1802). Английские граверы разработали новые виды техники, которые давали возможность передачи сложнейших, живописных тоновых отношений: меццо-тинто, пунктирная манера и цветная гравюра резцом.

К середине ХVIII века сформировалась очень сильная группа граверов так называемой ирландской школы, крупнейшим мастером которой был Джеймс Мак Арделл (1729-1765).

В творчестве Джона Рафаэля Смита (1752-1812) и других мастеров последней трети ХVIII века репродукционная гравюра меццо-тинто достигла наивысшего расцвета. В последующие десятилетия она быстро потеряла свою популярность и художественные достоинства и сошла на нет, уступив место более лёгким, быстрым и дешёвым способам художественной репродукции. Частично её упадок явился результатом развития оригинальной гравюры на дереве, возродившейся в Англии в конце ХVIII века.

Громко заявили о себе в ХVIII веке английские скульпторы-классицисты. Пожалуй, самым известным из них был Джон Бэкон (1740-1799), автор знаменитой статуи доктора Джонсона в лондонском соборе Святого Павла. Джозеф Ноллекенс (1737-1823) особенно успешно работал в области портрета. В своих портретных бюстах он умело добивался выразительной реалистической характеристики модели в духе римских образцов («Портрет Джона Фокса»).

Крупнейший мастер английской скульптуры ХVIII века — Джон Флаксман (1755-1826) был типичным представителем классицизма. Характерным примером его монументальных работ может служить памятник адмиралу Нельсону в соборе св. Павла, интересно скомпонованный, но вместе с тем перегруженный аллегорическими фигурами и производящий впечатление несколько холодноватой рассудочности.

Развитие производства фарфора отчасти сдерживалось широким распространением фаянсового производства, которое достигает своего наивысшего расцвета во второй половине ХVIII столетия в творчестве Джозайи Уэджвуда (1730-1795). Он явился создателем разнообразных керамических масс, получивших наименование агатовой, базальтовой, яшмовой, и усовершенствовал особый сорт тонкого фаянса, так называемого фаянса цвета сливок. Уэджвуд был не только пытливым исследователем, он работал и над созданием новых форм сосудов, изучая памятники античного искусства и античную керамику. Он может считаться одним из создателей классицизма в керамике, и влияние его творчества выходит за пределы Англии, во многом определяя развитие стиля европейской керамики в целом.

ХVIII век в Англии отмечен расцветом мебельного искусства. Крупнейшим мебельным мастером середины столетия становится Томас Чиппендейл (1718-1779). Он обогатил формы английской мебели чертами стиля рококо и элементами, воспринятыми в искусстве Китая. В конце его творческого пути заметно также увлечение готикой.

Развитие стиля английской мебели конца ХVIII - начала ХIХ века было связано с именами Георга Эплуайта (?— 1786) и Томаса Шератона (1751 - 1806), издавших в 1788 и 1794 годах гравированные сборники моделей английской мебели классицизма. Им свойственны простота, ясность и рациональность конструкции, строгость пропорций и в то же время элегантность и изящество. Эти качества проявились не только в совершенстве форм, но и в виртуозном мастерстве исполнения, в умении подобрать материал, в характере и расположении тактично стилизованного антикизирующего орнамента. Обычно эта мебель имела прямые четырехгранные ножки, но порой им придавалась форма круглой колонны. Популярными были спинки кресел в виде античной лиры или щита с орнаментом. Изделия английских мастеров по праву могут быть отнесены к числу наивысших остижений мебельного искусства.

Образцом всего прекрасного для просветителей XVIII в. была природа. В 60-х г. XVIII ее культ создадут сентименталисты. Но в это время большое внимание уделялось садам и паркам.

Пейзажный (английский) парк, вероятно, самое важное из того, что внесла Англия в архитектуру ХVIII века. В отличие от регулярного (французского) парка, в котором дорожки и аллеи прокладывали по строгой, геометрически правильной схеме, в пейзажном парке создавалась иллюзия реальной, нетронутой природы. Идеалом такого парка был девственный лес, в котором не чувствовалось присутствия человека и современной цивилизации. Придумали пейзажный парк именно англичане, поэтому его нередко называют английским парком.

У истоков этой идеи стоял архитектор Джон Ванбро (1664-1726). Во время строительства дворца Бленим близ Оксфорда (1705-1724) он написал специальный «меморандум», в котором призывал свою заказчицу, герцогиню Сару Мальборо, сохранить в усадьбе старый полуразрушенный дом, поскольку эти руины являлись прекрасным украшением парка.

Лучшие пейзажные парки той эпохи были созданы Уильямом Кентом, одним из главных представителей палладианства. Это парк на вилле лорда Ричарда Бойла Бёрлинггона в Чизике, пригороде Лондона (1725-1730), и парк «Елисейские поля» в Стоу в Центральной Англии (ЗО-е годы ХVI1Iв.). Парк в Стоу украшали павильоны, построенные в разных стилях. Они были частью пейзажа; особенно сильное впечатление производили искусственные, специально построенные руины, которые напоминали зрителю о давно минувших временах. В целом пейзажный парк представлял собой своеобразное путешествие - не только в пространстве, но и во времени.

КЛАССИЦИЗМ В РАЗЛИЧНЫХ ВИДАХ ИСКУССТВА

Классицизм (от лат. classicus — образцовый), стиль и направление в литературе и искусстве XVII — нач. XIX вв., обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Классицизм сложился в XVII в. во Франции. В XVIII в. классицизм был связан с Просвещением; основываясь на идеях философского рационализма, на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, стремился к выражению большого общественного содержания, возвышенных героических и нравственных идеалов, к строгой организованности логичных, ясных и гармоничных образов.

Соответственно возвышенным этическим идеям, воспитательной программе искусства эстетика классицизма устанавливала иерархию жанров — «высоких» (трагедия, эпопея, ода, история, мифология, религиозная картина и т. д.) и «низких» (комедия, сатира, басня, жанровая картина и т. д.). В литературе (трагедии П. Корнеля, Ж. Расина, Вольтера, комедии Мольера, поэма «Поэтическое искусство» и сатиры Н. Буало, басни Ж. Лафонтена, проза Ф. Ларошфуко, Ж. Лабрюйера во Франции, творчество веймарского периода И. В. Гете и Ф. Шиллера в Германии, оды М. В. Ломоносова и Г. Р. Державина, трагедии А. П. Сумарокова и Я. Б. Княжнина в России) ведущую роль играют значительные этические коллизии, нормативные типизированные образы.

Архитектуре классицизма (Ж. Ардуэн-Мансар, Ж. А. Габриель, К. Н. Леду во Франции, К. Рен в Англии, В. И. Баженов, М. Ф. Казаков, А. Н. Воронихин, А. Д. Захаров, К. И. Росси в России) присущи четкость и геометризм форм, логичность планировки, сочетание гладкой стены с ордером и сдержанным декором. Изобразительное искусство (живописцы Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Л. Давид, Ж. О. Д. Энгр, скульпторы Ж. Б. Пигаль, Э. М. Фальконе во Франции, скульпторы Г. Шадов в Германии, Б. Торвальдсен в Дании, А. Канова в Италии, живописцы А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмов, скульпторы М. И. Козловский, И. П. Мартос в России) отличается логичным развертыванием сюжета, ясностью, уравновешенностью композиции.

РЕН (Wren) Кристофер (1632-1723), английский архитектор, математик и астроном. Представитель классицизма. Гармонично связывал разнообразные по формам здания с пейзажем и городской средой (план реконструкции Лондона, 1666; собор св. Павла, 1675-1710, в Лондоне).

В "Истории эстетики" В. Татаркевич формулирует основные принципы искусства классицизма, ссылаясь на теоретика Итальянского Возрождения Л. Б. Альберти (1404 - 1472), который, в свою очередь, как он сам утверждал, выдвинул их на основе изучения античного искусства:

1.Красота является объективным качеством, свойственным реальным предметам, а не их переживанию человеком.

2. Красота заключается в порядке, правильном размещении частей и установлении пропорций…

3.Красота воспринимается глазами, но оценивается разумом…

4. Красота…является законом в природе, но целью в искусств…Поэтому искусство способно превосходить ее.

5. Искусство должно обладать рациональной дисциплиной, поскольку оно пользуется наукой.

6. План или рисунок являются наиболее существенными для зрительного искусства…

7. Искусство способно обращаться к важным темам и приспосабливать свои формы с соответствующему содержанию…

8. Великие возможности искусства были осуществлены античностью.

ЛИТЕРАТУРА.

Развитие английской литературы периода Реставрации шло главным образом под знаком классицизма, который представлял собою в Англии явление весьма самобытное и отличался от французского классицизма XVII столетия. Английский классицизм не мог стать выражением идеологии прогрессивных сил нации в той мере, в какой это удалось классицизму французскому. Поэзия и драма английского классицизма (лишь формально соблюдавшего правило трех единств и внешне подражавшего античным образцам) не обрели той глубины постижения действительности, которая была одним из важнейших достоинств творчества Корнеля, Расина и Мольера.

Крупнейшим представителем классицизма Англии второй половины XVII в. был Джон Драйден (John Dryden, 1631—1700), поэт, драматург, литературный критик. Творческий путь Драйдена отличается сложностью, неоднозначностью политических привязанностей, разнообразием художественных устремлений.

Многочисленные эпизоды политической, религиозной и литературно-философской борьбы времени нашли отражение в поэтических произведениях Драйдена. Среди них поэмы «Авессалом и Ахитофель» (1681—1682), отразившая острую борьбу между ториями и вигами по поводу билля о престолонаследии, «Медаль: сатира против мятежников» (1682), посвященная защите монархии, «Вера мирянина» (1682), восхваляющая англиканскую церковь, «Лань и Пантера» (1687), обозначившая резкий поворот Драйдена к католицизму.

АРХИТЕКТУРА.

Типичный английский классицизм: изысканность, сдержанность, достоинство, рациональность в планировке. Мраморный Дворец – одно из немногих сохранившихся произведений всемирно известного английского архитектора Роберта Адамса, строившего в XVIII столетии. Дворец расположен в центральной части Лондона. Сейчас в столице Англии осталось всего несколько особняков Адамса. Мраморный Дворец - один из самых фешенебельных и великолепных. На протяжении XVIII, XIX и XX веков Дворец был домом для нескольких поколений английской и европейской аристократии.

Строительство Мраморного Дворца началось по заказу Герцога Портландского и заняло более пяти лет, с 1770 по 1775 год. Роскошный архитектурный ансамбль в истинно английском стиле был построен специально для привлечения знатнейшей аристократии. В нем в разное время жили бароны, маркизы, лорды и даже принцесса.

Адамс - автор таких произведений архитектуры, как квартал Адельфи, расположенный террасами на берегу Темзы, ворота Адмиралтейства, площади Фицрой и Финсбери и ряда частных домов, среди которых особое место занимает Мраморный Дворец. Интерьеры дворца примечательны характерными для творчества Адамса деталями - лепными потолками, изразцовыми каминами и роскошными лестницами. Классические скульптуры - неотъемлемый атрибут английского стиля XVIII столетия – заимствованы, по предположениям специалистов, из другого особняка Адамса на Портланд плейс в 1950-х годах. Скульптуры перевезены на Портланд плейс из их первоначальной резиденции в целях безопасности в военное время и с тех пор прижились во Дворце, став неотъемлемой и гармоничной частью интерьера. В особняке представлены и другие работы мастера - античные трехпанельные зеркала над каминами, сверху завершенные полукругом, украшенные фигурами и цветочными гирляндами, и декорации основного приемного зала на втором этаже. Все эти детали представляют собой культурно-историческую и художественную ценность и сохранились до наших дней в первоначальном, нетронутом виде.

Дворец представляет собой идеальный образец английского классицизма – тенденции, охватившей Англию в конце XVIII столетия. Главное его отличие от других архитектурных шедевров этого периода – большее количество пространства, четыре фронтонных окна, а также изысканный и утонченный декор Адамса. Естественно материальную часть, то есть интерьер и экстерьер Дворца, гармонично дополняет духовная – история и судьбы людей, живших в нем на протяжении двух столетий.

ЖИВОПИСЬ.

Предметом художественного изображения в искусстве классицизма является этический, а не социальный человек. Поэтому типология классицистических героев основана не на их социальном статусе (король, священнослужитель, дворянин, ремесленник и т. п.), а на их моральных качествах (ханжа, скупец, мот, щеголь и т. д.). В свою очередь, из отношения к человеку как явлению этическому и из требования изображения правдоподобного (т. е. должного, а не сущего) непосредственно вытекает характерный для классицизма принцип внеисторизма.

В живописи долгое время ведущая роль принадлежала иностранцам: X. Хольбайну Младшему в XVI столетии, А. Ван Дейку и П. Рубенсу в XVII. И только в XVIII в. в лице У. Хогарта английская живопись обрела свой голос, хотя и довольно странный. "Литературная" живопись Хогарта находилась вне европейской художественной традиции, но его теоретический трактат "Анализ красоты" (1753) опередил свое время.

Более "живописные" художники, Дж. Рейнолдс и Дж. Ромни, продолжили заложенную Хогартом сентиментальную традицию в портретной живописи, но она быстро привела к помпезному "большому статуарному стилю" - воплощению самого поверхностного, декларативного академизма. Англия знаменита своими граверами. Но классик "чисто английской" техники пунктира - Ф. Бартолоцци, с 1764 г. работавший в Лондоне, по национальности итальянец, и все его достижения - в области воспроизведения живописных оригиналов, картин других художников.

Важнейшую роль в архитектуре английского неоклассицизма сыграли два мастера— Уилльям Чемберс (1723-1796) и Роберт Адам (1728-1794). Этот стиль нередко называют просто «стилем Адама», в честь его творца. В 1754-1756 годах Роберт Адам совершил путешествие в Италию и вернулся оттуда страстным поклонником античности. В его творчестве чувствовалось влияние английского палладианства. Вместе с тем, его стиль был очень своеобразным и легко узнаваемым.

В 60-е годы ХVIII века Адам создал множество усадебных домов в пригороде Лондона и в Центральной Англии. Особенно интересны интерьеры тех знаний, в которых архитектор нередко использовал этрусские орнаментальные мотивы (например, Этрусская комната в усадьбе Остерн Парк). Самый известный интерьер Адама - приемная в доме Сайон-хаус (1764г.), украшенная 12 колоннами из голубого мрамора с позолоченными капителями и скульптурами наверху. Стволы этих колонн подлинно античные - они найдены на дне реки Тибр в Риме. Колонны здесь не поддерживают потолок, а просто приставлены к стене.

Интерьеры Адама ещё при жизни мастера многие считали высшим достижением английской архитектуры того времени. Его стиль был очень популярен.
Уильям Чемберс был придворным архитектором короля Англии Георга III (1760-1820). В 1748-1749гг. он совершил путешествие в Китай, откуда привёз множество рисунков. Благодаря им в Англии возникла мода на китайский стиль. Один из павильонов в королевском парке Кью в пригороде Лондона (1757-1762) мастер выполнил в виде китайской пагоды.

Историю английского неоклассицизма ХVIII века завершают 2 архитектора, манера которых сильно отличалась от «стиля Адама»: Джордж Дэнс Младший (1741-1825) и сэр Джон Соун (1753-1837).

Самой известной постройкой Дэнса была тюрьма Ньюгейт в Лондоне. Это суровое здание, стены которого сверху донизу были оформлены мощным рустом, производило мрачное впечатление, полностью соответствовавшее его назначению. Джон Соун во многом следовал манере Дэнса. Он был главным архитектором здания Английского банка и посвятил его строительству значительную часть жизни. В своём доме в Лондоне он устроил музей архитектуры, который подвёл своеобразный итог английскому неоклассицизму ХVIII в.

Вопросы для контроля:

1.Какой жанр в литературе появился в эпоху английского Просвещения?

2.Кто осуществил коренную реформу театрального искусства?

3.Кто был создателем жанра портрета в XVIII веке?

4.Как писал пейзажи Гейнсборо?

5.Перечислите картины Джошуа Рейнолдса.

6.Родоначальником какого жанра является У.Хогарт?

7.Назовите основные полотна Уильяма Хогарта.

8.Какие картины английских художников находятся в Эрмитаже?

9.В каких видах искусства проявил себя классицизм?

10. Кто и когда начал заниматься фаянсовым производством в Англии?

11. Каковы особенности «английского парка»?

Список основной литературы:

1. Дмитриева Н.А. Искусство Англии XVIII века. Краткая история искусств. Книга вторая. - М., 2002.

2. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. - М., 1999.

3. Полищук В.И. Культурология. – М., 1999.

4. Ильина Т.В. История искусств Западной Европы. - М., 2002.

Список дополнительной литературы:

1. Бадак А.Н. и др. Всемирная история, том 15. Эпоха Просвещения. - Минск, 1999.

Обратите внимание на лекцию "Лекция 4".

2. Грибунина Н.Г. История мировой художественной культуры. – Тверь, 1998.

3. История искусства зарубежных стран. - Т. 1-2. – М., 1998.

4. Кроль А.Е. Английская живопись XVI-XIX вв. в Эрмитаже. Альбом. – Л., 1961.

5. Хогарт У. Анализ красоты. – М.-Л., 1988

6. Чегодаев А.Д. Статьи об искусстве Франции, Англии, США 18-20 вв. – М., 1978.

7. Эренгросс Б.А. Мировая художественная культура. - М., 2001.

Поделитесь ссылкой:

Популярные услуги

Особенности английской культуры и искусства XVIII века

Рекомендуемые материалы

Рекомендуемые лекции