referat Madona (697301), страница 3
Текст из файла (страница 3)
Сформировался как художник в мастерской Робера Кампена, научившись многому у Яна ван Эйка, Рогир ван дер Вейден(около 1399-1464)тем не менее сильно отличался от этих мастеров. Цель своего творчества он видел не в восхищенном созерцании мира, где повседневное приравнивается к чуду, а в постижении индивидуальности личности (что делало его глубоким психологом и превосходным портретистом).
“Св. Лука, рисующий Мадонну” () Рогира ван дер Вейдена. Сюжет произведения основан на легенде, повествующей о том, что один из учеников Христа, Лука, был первым, кто создал портрет Мадонны. В середине века, когда появляются цеховые организации, живописцы Нидерландов провозглашают Луку покровителем своей гильдии. Рогир ван дер Вейден представил святого в момент творчества. В отличие от художников немецкого Возрождения, уделявших основное внимание человеку и изображавших его обычно в центре композиции, нидерландских мастеров в равной мере интересует и человек и его окружение. Поместив фигуры Марии с младенцем слева и Луки- справа, всю среднюю часть картины Рогир ван дер Вейден занялся пейзажем, открыв взору зрителя перспективу уходящей вдаль реки с городскими кварталами на ее берегах, написанными так точно и старательно, что в дальнейшем исследователи даже смогли узнать ряд строений и определить, что это здания старого Брюсселя. Однако бросается в глаза чрезмерно резкое сокращение размеров фигур- прием, с помощью которого мастер стремится передать глубину пространства (сравнительно недалеко расположенные от персонажей первого плана фигурки родителей Марии- Иоахима и Анны- кажутся поэтому несоразмерно маленькими). В изображении младенца сказывается недостаточное знание детских пропорций, чувствуется скованность движений. Нидерландские художники значительно позже, чем итальянские, овладевают искусством передачи обнаженного тела. Это объясняется не только влиянием церкви, но и слабым знакомством с античным наследием.
В отличие от своих предшественников, изображавших персонажей картин в созерцательном состоянии, не раскрывая их эмоций, Рогир ван дер Вейден стремится к передаче человеческих чувств. Лицо Луки отражает его взволнованность, он весь поглощен процессом творчества. Это лицо, несомненно увиденное в жизни, возможно, автопортрет художника.
В центре эрмитажной картины (а это один из нескольких сохранившихся вариантов произведения) проходит вертикальный шов. В прошлом, когда эта работа находилась в Испании, ее распилили на две части. В 1850 году изображение Луки было приобретено в Голландии и поступило в Эрмитаж как самостоятельное произведение. В 1884 году в Петербург было доставлено изображение Мадонны. Когда выяснилось, что это две части одной композиции, их, объединив, перевели с досок на холст. Несмотря на то, что в результате перевода и под воздействием времени картина несколько поблекла, она и сейчас радует глаз звучными красками. Мы любуемся красотой ткани и золотым шитьем платья Мадонны, драгоценными камнями ее украшений, подробно и любовно написанными деталями одежды.
Сравнивая образы Мадонны нидерландских и немецкого мастеров, нужно отметить мягкость и теплоту работ нидерландских живописцев. Немецкие композиции более схематичны, и скорее, напоминают иконы, нежели вольные полотна. Во всех деталях заключен некий аллегорический, религиозный смысл. Для сравнения- “Мадонна с куропатками” Ван Дейка имеет скорее театральное воплощение.
Мне близки более полотна нидерландских мастеров, прекрасное знание пропорций человеческого тела, мягкость и округлость линий и четкая обрисовка деталей в которых не может оставить равнодушным ни одного человека.
Тем не менее, несмотря на разницу восприятия образа Мадонны живописцами, чувствуется любовь и нежность, которую они постарались перенести на полотно. И даже через век мы чувствуем то нежное чувство, с которым писался образ Мадонны- сам образ Матери.
3. Образ Мадонны в современной живописи.
Алексей Кузьмич
Можно не знать Рафаэля и его "Сикстинской мадонны", "Петроградской мадонны" Петрова-Водкина, двух "Партизанских мадонн" или "Мадонны Биркенау" Михаила Савицкого, но мадонн Кузьмича знает каждый. Если не видел, то что-то слышал о них. Ведь Алексей написал этих мадонн не две, не десять и даже не сотню, а где-то около тысячи. Неудивительно, что самый большой, трехуровневый зал Союза художников - "Дворец искусств" на улице Козлова почти весь благодаря содействию главы Минска Михаила Павлова отдан в распоряжение Кузьмича. Вчера здесь открылась выставка его работ, и не только мадонн...
Его работы не балуют разнообразием, и модель изображения на них узнаваема и близка каждому. Кто-то утверждает, что это его жена, а младенец на ее руках или младенцы, ее окружающие, - это их дети. Нет, на картинах Кузьмича изображена все-таки не конкретная женщина, а именно Мадонна. И в этом его достижение как художника.
Кузьмич увлеченно, захватывающе, с какой-то пронзительной страстью может говорить, спорить и превозносить своих мадонн. А еще каяться, смеяться и плакать над ними. И делает он это эмоционально, искренне. Ведь, как всякий большой художник, Кузьмич в душе еще и артист. Скажу более, он в республике, пожалуй, первый и самый последовательный пропагандист, или, как нынче говорят, менеджер своих работ. Про него написано тысячи, а может, десятки тысяч журналистских статей - газеты любят сенсации (тысячи мадонн!!!), ярких, неординарных людей. А еще про Кузьмича снято около сотни телесюжетов и несколько документальных фильмов. Издан шикарный альбом его работ. Не говоря уже про то, что его работы тиражируются на разного рода продукции, не имеющей к искусству никакого отношения (на обложках книг, календарях, плакатах), что по сегодняшним меркам тоже является залогом колоссальной популярности, узнаваемости. Поэты посвящают ему и его мадоннам стихи и песни.
Говорят, за эту немыслимую популярность, а может быть, еще и за эту напористость, настырность коллеги по ремеслу не очень-то жалуют художника Алексея Кузьмича, а закупочные комиссии при Министерстве культуры, которым выделяются деньги из бюджета, не торопятся приобретать работы популярного художника. А в том, что это явление, я думаю, сегодня уже мало кто сомневается.
Алексей Кузьмич. Сегодня это имя чаще других встречается на страницах периодических изданий. Репродукции картин художника украшают большие и малые журналы. Ему позируют писатели и артисты, кинорежиссёры и общественные деятели.
Известность, слава. Они пришли к Алексею Кузьмичу на втором десятке лет творческой жизни, когда начал проясняться её общий замысел, неведомый поначалу и самому художнику.
По мере создания, картина за картиной, как страница за страницей, складывается книга творческой жизни живописца. В первой её части художественный мир Алексея Кузьмича конкретен, ощутима тяга к портрету, тематической картине. Непосредственные впечатления от встреч с родными местами, людьми входят в плоть его произведений: "У окна" (1974), "Воскресный день" , "Девушка и цветы" (обе 1976), "В мастерской художника" (1977) и другие. Не отрываясь от непосредственного чувственного опыта, художник хочет самоопределиться: схватить и выразить пластический характер человека, образ или сущность вещи, её материал, энергию и т.д.
Простые жизненные наблюдения, простые жизненные начала. Как это часто бывает в начале пути, иные работы подражательны. В них угадываются лица великих кумиров-учителей, ценимых с ученической скамьи - Тициана, Эль-Греко, Ван Гога. Но это подражание не слепое, не формальное. Молодой художник как бы проходит ступени, возведённые до него, чтобы затем подняться на уровень, где зазвучит уже его, только его мотив. Впереди обретение мастерства, выход к серьёзным гражданским и общечеловеческим проблемам. С круга житейских забот центр тяжести перемещается на темы большого философского звучания; о смысле присутствия человека, о его нравственном долге, о предназначении женщины - матери - Мадонны, о духовной роли славянских народов в общечеловеческой эволюции. Художник пристально всматривается в людские судьбы, чтобы лучше понять жизнь и время.
С удивляющим постоянством Алексей Кузьмич возвращается и возвращается к теме Мадонны. Он словно соревнуется с мастерами Ренессанса, справедливо полагая, что высокое искусство Возрождения и сегодня облагораживает и очищает, несёт успокоение, продолжает нести добро людям, в котором всегда нуждался человек.
Начало развития темы было положено в 1983 году картиной "Будущие мадонны". В ней молодость словно всматривается в мир, открывая неизведанное. Образы естественны и жизненны, почти конкретны. В последующих работах художник уделяет внимание не столько тщательной проработке деталей, широте передачи реальных пространственных отношений, сколько продуманной гармонии света и цвета. Живописец стремится к утончённости и изысканности изображения. Импульсивный энергичный мазок, вибрирующий свет увеличивают эмоциональную насыщенность картин. В полотнах "Мадонна Киевской Руси", "Мадонна над миром" (1987), "Сошедшая с небес" (1988), "Мадонна над Минском", "Чернобыльская Мадонна", "Мадонна. Вознесение" (все 1989), "Мадонна и ангелы" (1990) - радость и удивление, терпение и сострадание, страх и надежда. Главная же идея этих произведении - торжество и величие духа, жертвенность и страдание во имя людей. Именно ей посвящены картины "Плач Ефросиньи Полоцкой". "Плач княжны Рогнеды" (обе 1990), весь цикл работ "Плачущие мадонны".
Мир Мадонны для художника - это и его мир. В нем ответ на бесцветность и хаос нашего времени.
"Сейчас общество испытывает огромную потребность в реставрации духовных ценностей, - говорит художник, - самой высокой целью искусства является утверждение красоты, Божественного в человеке. Искусство должно нести миру Свечу Духовности, потому что, как и много веков назад, человек и сегодня стремится к свету и любви".
Природная стойкость и чувство сопротивления заставляют художника снова и снова обращаться не только к теме возрождения корней, но и к утраченным связям между человеком и природой, человеком и Космосом. Это всеобъемлющая идея также находит воплощение в дорогом для художника образе Мадонны.
Тарковский говорил, что в лучших произведениях поэзии наличествует триединство: мир, язык, художник. В полной мере это относится и к живописи. Недостаточность одного из компонентов этого единства делает произведение неполноценным, немощным.
Потеря кровной связи со своей землей всегда гибельна для творца. Осознанно или не вполне Алексею Кузьмичу удалось это избежать. Устоял он и перед бурным натиском всевозможных авангардных течений, сохранив в своем изобразительном языке чистоту и поэзию.
Творчество художника - это его храм. возведенный его воспитанием, эволюцией, культурой, мыслью. Так в добрый же путь, Алексей Кузьмич!
Кто любит женщину, кто любит мир, кто пишет женщину, тому помогает бог,- эти слова стали творческим кредо для Алексея Васильевича Кузьмича. Родился художник в 1945 г. в Мохро - большой красивой полесской деревне на Брестчине. Отца не помнит. Вернувшись с фронта, он вскоре умер. Растила и воспитывала Алексея мать Александра Максимовна. Приобщился к искусству Алексей с раннего детства. Этому помогли двоюродный брат Степан, художник-самоучка, учитель рисования в местной школе Анатолий Павлович Рубанович и пять сестер.
После 9 классов будущий художник уезжает в далекий сибирский город Красноярск. Ему хотелось не столько больших денег и приключений, сколько познаний. В Красноярске родился Суриков. Здесь много связано с именем великого художника, есть училище им. Сурикова, блестящая картинная галерея. Кузьмич приходил туда часто и подолгу простаивал у полотен, восхищаясь великим непревзойденным талантом. Рядом с училищем - художественная школа им. Сурикова, куда, к великому счастью, и поступил Кузьмич. Окончил школу - повестка в армию. После службы Алексей приехал поступать в Минский театрально - художественный институт, но на приемные экзамены опоздал. Пришлось идти работать на подшипниковый завод. Там он узнает, что рядом во Дворце культуры существует прекрасная художественная студия, которой руководит А. В. Барановский. Показал ему свои работы. Анатолий Васильевич остался очень доволен и принял его к себе. В студии Алексей еще больше поверил в себя как художника. На следующий год Алексей Кузьмич поступает в театрально - художественный институт. Экзамены сдал на "отлично". Учился охотно. Оставили Алексея Кузьмича после окончания преподавать в институте. Но вскоре он понял, что не рожден для этого. Ушел из института. Всего себя направил на самовыражение, на творчество.
15 лет его не признают, не дают выставляться. И только потому, что на своих картинах он смело приоткрывает таинства красоты женского тела вместе с высокой духовностью, одухотворенностью. Лишь в 1989 году в Минском Дворце искусства состоялась его первая выставка. Успех имела огромный. После нее работы Алексея Кузьмича увидели жители Витебска, Бобруйска, Барановичей, Гродно, Могилева, Гомеля, Бреста и других городов республики. Лучший выставочный зал был предоставлен Кузьмичу Союзом художников СССР в Москве. Здесь особенно остро он ощутил, насколько нужно то, что он создает, людям.
При серьезном, внимательном анализе, изучении творчество Алексея Кузьмича можно разделить на несколько этапов.
На первом этапе художник противопоставляет женщине-труженице, ударнице, осужденной революцией и так называемым социалистическим образом жизни на кабальные условия существования, мадонну. Романтически - возвышенно и смело изображает ее живописец. Он по существу возрождает в искусстве не только женщину, какой она есть от природы, а и утраченную духовность народа.
На другом этапе творчества Алексея Кузьмича мадонна более реальная, земная, исторически конкретная. Он чувствует в себе потребность показать трагизм событий на определенных исторических сломах.
![](https://s.studizba.com/z.php?f=/templates/si/i/noavatar.png&w=100&h=100&t=1"){kind=avatar}
