69878 (Венская классическая школа), страница 2

Представителям венской классической школы, и прежде всего Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава симфонического оркестра. Прежде композиторы довольствовались лишь теми инструментами, которые в данный момент были доступны. Появление устойчивого состава оркестра – яркий признак классицизма. Звучание музыкальных инструментов приводилось таким образом в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки. Эти правила основаны на знании возможностей инструментов и предполагают, что звук каждого – не самоцель, а средство, выражающее определённую идею. Устойчивый состав давал цельное, однородное звучание оркестра.

Помимо инструментальной музыки Гайдн уделял внимание опере и духовным сочинениям (создал ряд месс под влиянием Генделя), обращался к жанру оратории («Сотворение мира», 1798г.; «Времена года», 1801г.).

3. Музыкальный гений – В.А. Моцарт

Творчество Моцарта занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классицистическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью. Музыка композитора близка к тем направлениям в культуре второй половины XVIII в., которые были обращены к чувствам человека («Буря и натиск», отчасти сентиментализм). Именно Моцарт впервые показал противоречивость внутреннего мира личности.

Вольфганг Амадей Моцарт родился в Зальцбурге (Австрия). Обладая феноменальным музыкальным слухом и памятью, он уже в раннем детстве научился играть на клавесине, а в пять лет написал первые сочинения. Первым педагогом будущего композитора стал его отец Леопольд Моцарт – музыкант капеллы архиепископа Зальцбургского. Моцарт виртуозно владел не только клавесином, но также органом и скрипкой; славился как блестящий импровизатор. С шести лет он гастролировал по странам Европы. В одиннадцать создал первую оперу «Аполлон и Гиацинт», а в четырнадцать уже дирижировал в театре Милана на премьере собственной оперы «Митридат, царь Понтийский». Примерно в это же время его избрали членом Филармонической академии в Болонье.

Как и многие музыканты той эпохи, Моцарт состоял на придворной службе (1769-1781гг.) – был концертмейстером и органистом у архиепископа города Зальцбурга. Однако независимый характер мастера вызывал резкое неудовольствие архиепископа, и Моцарт предпочёл покинуть службу. Из выдающихся композиторов прошлого он стал первым, кто выбрал жизнь свободного художника. В 1781г. Моцарт переехал в Вену, у него появилась семья. Зарабатывал он редкими изданиями собственных сочинений, уроками игры на фортепиано и выступлениями (последние послужили стимулом для создания концертов для фортепиано с оркестром).

Особое внимание Моцарт уделял опере. Его произведения – целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Опера привлекала композитора возможностью показать взаимоотношения людей, их чувства и стремления.

Моцарт не стремился к созданию новой оперной формы – новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую – появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены. Как следствие в операх Моцарта нет однозначно положительных и отрицательных героев, характеры живые и многогранные, не связанные рамками амплуа.

Моцарт часто обращался к литературным источникам. Так опера «Свадьба Фигаро» (1786г.) написана по пьесе французского драматурга П.О. Бомарше «Безумный день, или Женитьба Фигаро», которая была запрещена цензурой. Главная тема оперы – любовь, что, впрочем, можно сказать обо всех творениях Моцарта. Однако есть в произведении и социальный подтекст: Фигаро и его возлюбленная Сюзанна умны и энергичны, но они незнатного происхождения, а всего лишь слуги в доме графа Альмавивы. Их противодействие господину (глуповатому и одураченному аристократу) вызывает сочувствие автора – совершенно очевидно, что он на стороне влюблённых.

В опере «Дон Жуан» (1787г.) получил музыкальное воплощение средневековый сюжет о покорителе женских сердец. Энергичному, темпераментному, своевольному и свободному от всех нравственных норм герою противостоит в лице Командора высшая сила, олицетворяющая разумный порядок. Философское обобщение соседствует здесь с любовными интригами и жанрово-бытовыми элементами. Трагическое и комическое образуют неразрывное единство. Эту особенность оперы подчеркнул и сам автор, дав своему сочинению подзаголовок «Весёлая драма». Казалось бы в финале справедливость торжествует – порок (Дон Жуан) наказан. Но музыка оперы тоньше и сложнее такого упрощённого понимания произведения: она вызывает у слушателя сочувствие к герою, оставшемуся верным себе даже перед лицом смерти.

Философская сказка-притча «Волшебная флейта» (1791г.) написана в жанре зингшпиля. Основная идея произведения – неизбежность победы добра над злом, призыв к стойкости духа, к любви, к понимаю её высшего смысла. Герои оперы подвергаются серьёзным испытаниям (молчанием, огнём, водой), но достойно преодолевают их и достигают царства красоты и гармонии.

Моцарт главной считал музыку, хотя относился к тексту либретто очень требовательно. В его операх значительно возросла роль оркестра. Именно в оркестровой партии нередко обнаруживается авторское отношение к действующим лицам: то промелькнёт насмешливый мотив, то появится прекрасная поэтическая мелодия. Внимательному слушателю эти детали говорят больше, чем текст. Основными портретными характеристиками остались арии, а о взаимоотношениях героев рассказывается в вокальных ансамблях. Композитор сумел передать в ансамблях особенности характера каждого персонажа.

Будучи представителем венской классической школы. Моцарт большое значение придавал жанру симфонии. Особенно популярны три последние симфонии – Тридцать девятая, Сороковая и Сорок первая («Юпитер»), созданные в 1788г. В произведениях этого жанра окончательно закрепились четырёхчастный цикл и правила сонатной формы. Симфонии Моцарта включают множество тонких эмоциональных нюансов. Темы часто неровные по характеру, сложные по ритму, порой идут в сопровождении резких гармоний, но музыка сохраняет отточенные, чёткие формы.

Моцарт стал и одним из создателей жанра классического концерта. В основе концерта соревнование солиста и оркестра, и этот процесс всегда подчинён строгой логике. Композитору принадлежит двадцать семь концертов для фортепиано с оркестром, семь для скрипки с оркестром. В одних произведениях слушателя поражает виртуозное мастерство, праздничность, в других драматизм и эмоциональные контрасты.

Фортепианное творчество Моцарта включает девятнадцать сонат, в которых он продолжал разрабатывать сонатную форму, а также сочинения в жанре фантазии (музыкальное произведение, основанное на импровизации и свободное по форме). Композитор отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более мягким, но слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта – отчётливая, элегантная, с тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

Интересы мастера не ограничивались оперой и инструментальной музыкой. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием. Музыка реквиема (1791г.), предназначенного для солистов, хора и оркестра, глубоко трагична (Моцарт работал над сочинением, когда уже был болен, фактически перед самой смертью). Части сочинения, напоминающие оперные арии и ансамбли, делают музыку очень эмоциональной, а полифонические (прежде всего «Господи, помилуй!») олицетворяют духовное начало, высшую справедливость. Главный образ реквиема – страдающий человек перед лицом сурового Божественного правосудия.

Мастер так и не успел дописать реквием, он был доработан по наброскам композитора его учеником Ф.К. Зюсмайром.

Музыку Моцарт сочинял очень легко, иногда даже без черновиков, создавая творения, непревзойдённые по художественной красоте и гармоничности. Музыканты-современники высоко ценили дарование Моцарта, но большинство аристократической публики его творчество не понимало, а в последние годы жизни композитора не принимало вовсе. Умер Моцарт в бедности и был похоронен в Вене в общей могиле.

4. Творческий путь Л. ван Бетховена

«Музыка должна высекать огонь из груди человеческой» – это слова немецкого композитора Людвига ван Бетховена, произведения которого принадлежат к высшим достижениям музыкальной культуры.

Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и свободолюбивых идеалов Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой – запечатлело черты нового романтического искусства. От классицизма в произведениях Бетховена возвышенность содержания, прекрасное владение музыкальными формами, обращение к жанрам симфонии и сонаты. От романтизма смелое экспериментаторство в области этих жанров, интерес к вокальной и фортепианной миниатюре.

Людвиг ван Бетховен родился в Бонне (Германия) в семье придворного музыканта. Заниматься музыкой он начал с раннего детства под руководством отца. Однако настоящим наставником Бетховена стал композитор, дирижёр и органист К.Г. Нефе. Он преподавал юному музыканту основы композиции, обучал игре на клавире и органе. С одиннадцати лет Бетховен служил помощником органиста в церкви, потом придворным органистом, концертмейстером в оперном театре Бонна. В восемнадцать лет он поступил в Боннский университет на философский факультет, однако не окончил его и впоследствии много занимался самообразованием.

В 1792г. Бетховен переехал в Вену. Он брал уроки музыки у Й. Гайдна, И.Г. Альбрехтсбергера, А. Сальери (крупнейших музыкантов той эпохи). Альбрехтсбергер познакомил Бетховена с творчеством Генделя и Баха. Отсюда блестящее знание композитором музыкальных форм, гармонии и полифонии.

Вскоре Бетховен начал давать концерты; стал популярным. Его узнавали на улицах, приглашали на торжественные приёмы в дома высокопоставленных особ. Он много сочинял: писал сонаты, концерты для фортепиано с оркестром, симфонии.

Долгое время никто не догадывался, что Бетховена поразил серьёзный недуг – он начал терять слух. Убедившись в неизлечимости болезни, композитор решил уйти из жизни и в 1802г. приготовил завещание, где объяснял мотивы своего решения. Однако Бетховен сумел преодолеть отчаяние и нашёл в себе силы писать музыку дальше. Выходом из кризиса стала Третья («Героическая») симфония.

В 1803-1808гг. композитор также работал над созданием сонат; в частности Девятой для скрипки и фортепиано (1803г.; посвящена парижскому скрипачу Рудольфу Крейцеру, поэтому получила название «Крейцерова»), Двадцать третьей («Аппассионатой») для фортепиано, Пятой и Шестой симфониями (обе 1808г.).

Шестая («Пасторальная») симфония имеет подзаголовок «Воспоминание о сельской жизни». Это произведение рисует различные состояния человеческой души, отстранившейся на время от внутренних переживаний и борьбы. Симфония передаёт чувства, возникающие от соприкосновения с миром природы и сельской жизни. Необычна её структура – пять частей вместо четырёх. В симфонии есть элементы изобразительности, звукоподражания (поют птицы, гремит гром и т.д.). Находки Бетховена впоследствии использовались многими композиторами-романтиками.

Вершиной симфонического творчества Бетховена стала Девятая симфония. Задумана она была ещё в 1812г., но работал над ней композитор с 1822 по 1823г. Симфония грандиозна по масштабам; особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст оды «К радости» И.Ф Шиллера.

В первой части музыка сурова и драматична: из хаоса звуков рождается чёткая и очень масштабная тема. Вторая часть - скерцо по характеру перекликается с первой. Третья часть, исполняемая в медленном темпе, - это спокойный взгляд просветлённой души. Дважды в неторопливое течение музыки врываются звуки фанфар. Они напоминают о грозах и битвах, но изменить общий философский образ не в силах. Эта музыка – вершина лирики Бетховена. Четвёртая часть – финал. Темы предыдущих частей проплывают перед слушателем словно уходящее прошлое. И вот появляется тема радости. Удивителен внутренний строй темы: трепетность и строгая сдержанность, огромная внутренняя сила, высвобождающаяся в грандиозном гимне добру, истине и красоте.

Премьера симфонии состоялась в 1825г. в Венском оперном театре. Для осуществления авторского замысла театрального оркестра оказалось недостаточно, пришлось пригласить любителей: двадцать четыре скрипки, десять альтов, двенадцать виолончелей и контрабасов. Для венского классического оркестра такой состав был необыкновенно мощным. Кроме того, каждая хоровая партия (басы, тенора, альты и сопрано) включала двадцать четыре певца, что также превосходило привычные нормы.